Quando il dottor Edwin H. Land propose nel 1948 il suo primo apparecchio a sviluppo immediato, e lo chiamò Polaroid, non immaginava certo che la sua invenzione avrebbe dato inizio non a un linguaggio ma addirittura a una serie di linguaggi. Il suo scopo era molto circoscritto: liberare l'utente dal rapporto di dipendenza dal laboratorio fotografico. Ciascuno aveva diritto ai propri ricordi, pensava Land, senza intermediazioni, e senza il rituale del tempo dell'attesa. I ricordi, subito.

Le Polaroid (i molti tipi di Polaroid, per la verità) avevano una caratteristica comune. Usiamo il passato, perché in questo momento il futuro della compagnia e dei suoi prodotti non è affatto certo: la rivoluzione digitale ha tolto ossigeno a una compagnia che negli anni Sessanta e Settanta era considerata un investimento-cassaforte, una delle società più solide presenti sul mercato. Forse in futuro qualche orientale coraggioso acquisirà i diritti della  tecnologia, e continuerà ad offrire agli artisti (gli unici autentici utenti di Polaroid rimasti) la tavolozza di questi straordinari materiali. Oggi nessuno è in grado di fare previsioni, dunque parliamo di una tecnologia trascorsa, agonizzante, per la quale è giusto l'uso del passato.

Dicevamo di una caratteristica comune a tutte le Polaroid. Che era quella di dichiararsi come tale. Sono una fotografia, diceva con impertinenza ogni stampa (stampa? Neppure questa parola è del tutto corretta). E sono una fotografia, diceva, di quelle inventate dal dottor Land. Una “schiaccia e guarda” priva di interventi tecnici. Sono una fotografia, e non mi sogno di tentare di essere qualcosa d'altro. Non un oggetto fine art, non una delle mimesi della pittura o di altre forme di creatività visuale.  Questa dichiarazione un po' sfacciata ha una storia: fu Man Ray, all'inizio degli anni Trenta, a produrre oggetti che si dichiaravano come fotografie e che non potevano essere altro. Le solarizzazioni controllate dell'americano a Parigi rappresentavano la prima prevalenza del concetto sul prodotto fisico dell'intera storia della fotografia, il che non deve sorprendere, visto che Man Ray operava in un ambiente fortemente impregnato di protoconcettualismo, qual era il mondo dada.

La dichiarazione sfacciata di sé piacque anche ai concettualisti veri, quelli degli anni Settanta e Ottanta del Novecento, che privilegiavano al pari dei dadaisti il processo creativo rispetto al risultato. E in effetti la prima grande vampata di uso delle Polaroid nel mondo della creazione estetica risale a questo periodo: basti pensare alle paccate di immagini attraverso le quali Andy Warhol documentò i suoi momenti di vita quotidiana,  inclusa l'imbarazzante richiesta di fotografare i genitali di chiunque, maschio, entrasse nella Factory (e l'elenco degli assensi e dei dinieghi sorprenderebberebbe chiunque, raccontava Warhol, che però non ci ha lasciato gli elenchi).

C'è un altro fattore che accomuna le Polaroid, e le rende care agli artisti, ed è la loro imperfezione. Ciascuno dei processi inventati dal dottor Land e dai suoi successori non mira a offrire immagini perfette, sempre che il termine abbia un significato, oppure più vere del vero, come fece per lungo tempo il resto dell'industria fotografica. In realtà ogni mezzo impone la propria palette cromatica: l'olio è diverso dai pigmenti da affresco, i colori ad acqua sono diversi dalle tempere, la Fuji Velvia è diversa dalle Kodachrome, una reflex digitale offre un risultato diverso da quello di un dorso professionale con il suo software integrato. Però in fondo c'è sempre una speranza di mimesi: i miei colori non sono “veri”, ma utilizzando una serie di artifizi possiamo avvicinarci a una riproduzione ragionevole dei colori ritratti (chi si occupa di riproduzione di opere d'arte sa quanta fatica costi quell'“avvicinarsi”, e quanto approssimativo sia il “ragionevole”).

Le Polaroid non hanno mai tentato di avvicinarsi alla riproduzione. Anzi, ogni varietà del materiale mostrava una palette cromatica propria. Non solo: ogni varietà ha una capacità di registrare i dettagli e le sfumature. Più o meno, ogni Polaroid ha un proprio tasso di pastosità che lega il materiale più ai connotati visivi del sogno che a quelli della percezione del reale.  Evidenza del concetto e del processo e legame onirico sono dunque le caratteristiche specifiche di questo materiale.

È un gioco complesso, che Euro Rotelli rende ancora più complicato. Da un lato, i suoi soggetti sono realistici: nudi, paesaggi, luoghi che possiamo riconoscere, suggestioni della natura. Per ciascuno di questi soggetti, abbiamo un'aspettativa visiva: la piramide del Louvre l'abbiamo vista, dalla realtà o ritratta, e quindi in qualche modo sappiamo cosa vorremmo ritrovare nell'icona. La piramide di Rotelli è diversa da questa aspettativa; non abbastanza da essere irriconoscibile, abbastanza da costringerci a riflettere. Qui interviene l'aspetto concettuale insito nelle Polaroid, che induce per l'appunto a riflettere. Rotelli compie un passo avanti, lavorando manualmente le immagini durante il processo di sviluppo (un affare di qualche minuto, che richiede velocità manuale di intervento e capacità di previsualizzazione). Il concetto del processo diventa più evidente, senza annullare in questo il soggetto.

Se nei paesaggi urbani prevale il concetto, in altri tipi di paesaggi e nei nudi ha il sopravvento la percezione paraonirica, il richiamo al sogno (o, perché no, al desiderio). Anche in questi casi l'intervento dell'autore in fase di processo è intensa, ma di altra natura; il concetto si sfuma, è meno clamorosamente evidente; l'oggetto assume una propria sensualità, un contenuto materico più visibile.

Ogni immagine, ogni serie di Rotelli in qualche modo pendola tra i diversi punti cardinali: soggetto, con la nostra aspettativa visiva ad esso legata, processo, concetto, sogno. L'ultima serie proposta da Euro Rotelli, quella contrassegnata dalla sigla Theatron, raggiunge un ulteriore livello di complessità. Lo fa ricorrendo a un processo antico, quello del montaggio per incollatura, a noi familiare sin dai tempi della nascita del futurismo. In queste immagini il pendolo non si ferma, muovendosi continuamente tra i punti cardinali.

Fabio Amodeo

Lo sguardo tattile

Il percorso creativo di un artista, la sua intera ricerca, porta con sé il principio del Viaggio, inteso come spostamento, perlustrazione, indagine. A seconda delle scelte linguistiche e poetiche attraverso le quali si compie, questo viaggio mette in scena attenzioni e dimensioni diverse: più intimiste quando legate prioritariamente alla riflessione, al pensiero, all’immaginazione; più esteriorizzate sul fronte collettivo laddove emerge l’attenzione verso il mondo, osservato e analizzato da uno sguardo indagatore. Per sua stessa natura, il linguaggio fotografico s’inscrive in questa seconda modalità di azione, perché ritaglia porzioni fenomeniche dell’esistente per narrarci, con occhio vigile e iperrealista, surreale, denigratorio, poetico, ironico o, ancora, assurdo, un angolo di mondo, di storia, di emozione. Lo fa aderendo alla realtà in misure diverse, ma sempre conservandone una traccia, un indizio, ossia quell’immagine dalla quale ha preso le mosse l’azione del fotografo, magari poi stravolgendola in altro da sé. Rispetto alla realtà, insomma, la fotografia agisce su un ampia linea di scorrimento, che da un lato conserva la massima fedeltà al dato fenomenico e, dall’altro, può arrivare alla totale astrazione, perdendo però la sua intrinseca anima di acuta “forbice” sul mondo.

L’opera di Euro Rotelli si sviluppa su questa traiettoria, che dalla realtà approda al suo stravolgimento creativo, senza mai toccarne gli estremi, muovendosi con grande agilità sulla corda tesa di un sapiente equilibrista. Non cade mai, infatti, sul terreno stabile del vero; ma non resta nemmeno sospeso nel salto verso un altrove smaterializzato e idealizzato. Ed è proprio l’incontro tra la sua poetica, quindi il pensiero creativo, e la scelta linguistica, ossia la tecnica utilizzata, a dettare il passo del sottile equilibrio fra verità e immaginazione che caratterizza tutto il suo lavoro. Prodotto con diversi tipi di Polaroid, si fa carico di quella valenza concettuale tesa all’ideazione, di quel gusto per l’imperfezione che dalla sua origina distingue questa specifica tecnologia da altri mezzi fotografici. Un ‘gusto’ divenuto tale nelle mani degli artisti, che hanno individuato nell’infedeltà di cromie e sfumature rispetto al dato reale un modo per evadere dalla fedeltà della riproduzione, mentre per il fotografo occasionale tale infedeltà, percepita come una mancanza, veniva accettata in cambio della possibilità di ottenere subito e autonomamente l’immagine stampata. Nell’era del digitale questa percezione dell’amatore è ormai cambiata, tanto che le Polaroid rappresentano una sorta di eccellenza nella fotografia d’arte, ma ancora per poco, dato che il mercato segue le richieste numericamente alte, quindi la via dell’amatore ormai rivolto alle potenzialità della fotografia digitale.

Questa annunciata scomparsa delle Polaroid ci mette nella condizione di guardare al lavoro di Rotelli, così come a quello di altri artisti che operano con la stessa tecnologia, con un pizzico di nostalgia per ciò che non sarà più, ma anche con la consapevolezza di trovarci innanzi ad opere  che, segnando un’epoca, si caricano di un significato in più. Mi riferisco al principio di unicità e irripetibilità che per lungo tempo ha segnato il confine tra fotografia e pittura, al punto da porre l’interrogativo sulla reale o presunta connotazione dell’immagine fotografica come opera d’arte. Insomma, se qualcuno nutrisse ancora qualche dubbio in tal senso, le immagini prodotte con le Polaroid sono quelle che meglio di altre certificano l’appartenenza della fotografia all’universo dell’arte tout court. Fermo restando che reputo ormai anacronistico tale dubbio e che quindi non credo si debba per forza cercare una valenza pittorica nella fotografia per poterla definire un’opera d’arte, è certo che le immagini prodotte con Polaroid e manipolate da parte dell’artista, portano con sé il sapore della pittura.

E’ proprio questo il ‘segno’ che emerge nell’opera di Euro, sempre. Quando di una città ci restituisce l’atmosfera che non sappiamo più se percepita innanzi a quel luogo o all’immagine che ne hanno dato  i pittori del passato, ma in ogni caso la riconosciamo; quando in una scena di vissuto sociale traduce il dinamismo in segni ombreggiati e manipolazioni cromatiche; quando insegne stradali, graffiti e manifesti pubblicitari detengono il protagonismo dell’immagine virando la loro funzione comunicazionale in mera texture visiva; quando un corpo umano affiora dal fondo con la plasticità di una scultura o, ancora, quando un paesaggio naturale svela il lirismo che solo lo sguardo e il pensiero dell’uomo è in grado di attribuirgli.

In tutti questi esempi persiste la riconoscibilità del dato fenomenico, fatta eccezione per le rare immagini che tendono all’astrazione. Rare proprio perché non sono loro a detenere la poetica di fondo del lavoro di Rotelli. Si tratta di fotografie che vanno lette nel contesto dell’intera produzione, entro le diverse vie di quel ‘viaggio’ che contraddistingue lo spirito nomade dell’autore; nomade e al contempo stanziale, ossia ancorato al vero quale dato imprescindibile per approdare all’altrove. Le immagini meno riconoscibili, sorte dalla ripresa di un manifesto o da una scena di vita che, manipolate, appaiono sfumate e alterate, vanno quindi lette come battiti emozionali che stravolgono il dato visivo e che, nel respiro complessivo dell’opera fotografica, non fanno altro che affermare la volontà di affondare nel vivo dell’esistenza.

Quello di Euro Rotelli è, allora, un viaggio lirico condotto sul doppio registro della narrazione e dell’evocazione. Un viaggio la cui messa in opera chiama in causa lo spostamento, il dinamismo, del corpo, dello sguardo e del gesto dell’artista. Un viaggio che si compie verso il paesaggio, naturale e urbano, e a ridosso della corporeità umana, tutti concepiti come territori da esplorare, manipolare e re-inventare.

Da quest’ultimo aspetto — la re-invenzione dell’esistente — affiora l’intensità poetica e l’identità creativa del lavoro di Euro, che si compie nell’incontro di due modalità cognitive e linguistiche: lo sguardo, affidato alla pratica della fotografia; e il tatto, l’intervento diretto della mano, che chiama in causa la valenza pittorica e si compie sulla pellicola della Polaroid, sistema che l’artista ha scelto proprio perché gli permette di intervenire e di incidere sul risultato finale.

Da qui il titolo della mostra, a sottolineare la particolarità di un’opera in cui lo sguardo si fa tattile: seleziona, ritaglia un’immagine dalla realtà per poi alterarla per via manuale, segnando le tracce di un gesto manipolatore su quella stessa immagine.

Da questo indissolubile intreccio fra sguardo e intervento manuale, entrambi diretti dal trasporto emozionale e creativo, nasce quel processo di re-invenzione della realtà che rappresenta il punto centrale dell’intera produzione di Euro Rotelli. Si tratta, però, di un processo complesso, che emerge in modo diverso di serie in serie, e che vale la pena di sviscerare rimescolando le “carte”, nel tentativo di offrirne una chiara percezione.

Ciò significa osservare e attraversare l’intera produzione dell’artista, aprire gli ampi cassetti in cui sono conservati, suddivisi per blocchi, numerosi pacchetti di Polaroid; sfogliare cartelle di diverse dimensioni, per osservare originali di Polaroid 809 e di Polaroid 600; affondare lo sguardo e il pensiero su pareti e altri cassetti ancora, in cui appaiono esemplari di tirature delle stesse immagini, stampate in Lambda e, ancora, riguardare l’archivio digitale, in parte riversato nel sito. Suddiviso in serie tematiche, di cui ogni scatto porta il relativo titolo e una diversa numerazione, il ricco e diversificato lavoro di Euro si presta ad una rilettura critica tesa a metterne in luce il filo rosso che scorre trasversalmente sull’intera produzione, di cui la titolazione della mostra annuncia il paradigma di riferimento. Lo sguardo tattile contiene in sé una sinestesia sviluppata in due direzioni. La prima affonda nell’identità tecnico-linguistica delle Polaroid, votate alla selezione di un frammento di mondo attraverso la vista e, al contempo, all’intervento manuale che ammicca al fronte pittorico. La seconda direzione, invece, è quella della poetica dell’artista, tesa fra l’occhio indagatore del fotografo e lo spirito creativo dell’artista.

Partendo dal mescolamento delle “carte” e da un successivo riordinamento, emerge la scansione dell’opera di Rotelli in due sostanziali fronti di attenzione: quello del copro umano e quello del paesaggio, naturale e urbano, meglio definibile in tal caso con il francese environnement, che nella sua accezione arcaica indica ‘dintorni’, ossia ‘intorno’, inteso come ciò che sta nelle vicinanze, da ogni parte, quindi  come ambiente che circonda l’uomo ed entro il quale la figura umana vive per via di adesione e partecipazione, o di contrasti e prese di distanza.

Questi due ambiti d’attenzione restituiscono complessivamente un processo di umanizzazione del paesaggio, attraverso lo stravolgimento interpretativo; e un parallelo processo di “oggettualizzazione” del corpo, che nella sua bellezza formale, gestuale e posturale assurge all’ambito scultoreo.

L’intreccio di questi due processi conduce ad una sorta di neo-umanesimo, alla volontà di ridefinire la centralità dell’uomo, ma in simbiosi con l’ambiente naturale, urbano e architettonico.

Una volontà che scorre in ogni immagine, in ogni ciclo tematico — nel paesaggio perché stravolto dall’interpretazione e dall’azione manuale dell’autore, nei nudi perché si elevano a visioni paesaggistiche — ma che l’artista mette in scena in modo ancora più intenzionale nella serie intitolata Theatron: una sorta di diario del suo “viaggio” personale, dove la figura umana in bianco e nero s’inserisce nella scena architettonica e urbana, a colori, riaffermando la propria centralità.

Dal corpo al paesaggio, andata e ritorno, Lo sguardo tattile propone così  un percorso che esula dal principio della successione cronologica e ridisegna il passo della scansione tematica, ma condensandola in tre sezioni: la prima dedicata al corpo umano, la seconda al paesaggio — naturale e urbano —, la terza all’incontro di entrambi.

Sabrina Zannier
(curatrice mostra e catalogo “Lo sguardo tattile”)

Ispirato dalle vicende mitologiche di Amore e Psiche, storia eterna e straordinaria carica di fascino e di poesia, Euro Rotelli elabora un progetto d’indagine fotografica che arricchisce e dà maggiore visibilità al processo evolutivo del suo già affermato talento artistico. Basandosi sulla versione letteraria di La Fontaine, l’autore friulano di origine toscana dà vita a un lavoro intrigante, di pregevole taglio culturale, con una narratività raffinata, elegante, colta, un vero e proprio inno all’amore espresso attraverso il linguaggio del corpo, che gli permette di far dialogare, con equilibrio e armonia, in uno stile ormai acquisito, lo studio e l’interesse per il nudo. Interesse che egli riesce a coniugare con la ricerca e la sperimentazione tecnica, sviluppando gli snodi centrali e più significanti del suo fare fotografia: scatti in Polaroid manipolati in fase di sviluppo, in doppia esposizione, digitalizzati. La scrittura fotografica di Rotelli, coordinata nell’organizzazione compositiva, è complessa e articolata, è descrittiva e concettuale, oltre ad essere estremamente coinvolgente. Non solo. Essa è ricercata, permeata di sentimento, studiata in ogni dettaglio, vissuta intensamente, caratterizzata da una specifica connotazione stilistica, sintesi di un imprinting autorevole; raccoglie momenti interpretativi autentici, veri, onirici; rappresenta un modo di esprimersi che nasce e si sviluppa come processo che è, al tempo stesso, interpretazione e progettualità, traduzione e creatività. Questo nuovo lavoro ne è una espressione significativa e concreta: è un progetto che offre subito, di primo acchito, il senso della storia ed eleva la percezione visiva a sintesi di un’osservazione che penetra “dentro” il contesto, scandaglia l’intimo del momento, descrive l’invisibile e dà dimensione alle sensazioni, ai sentimenti, alle emozioni, all’eros che in qualche occasione sublima l’istinto. Ogni immagine è un segmento particolare della favola ispiratrice, un attimo singolare che assume contenuti e forme. E’ il tassello di un mosaico, l’approdo iconico di un momento di voluttà, il segno distintivo di un punto di vista, la ragione di una scelta, la trasposizione letterale di una sensazione, la visualizzazione di un sentimento. Ed ecco allora che prende corpo la rappresentazione dell’amore sensuale, dell’amore narcisistico, dell’amore puro, di quello generoso; viene descritta la scoperta della sessualità, della complicità, del piacere, della spiritualità. L’Amour et Psyché è una trama di momenti espressivi affascinanti nel quadro di una narrazione intrisa di emotività, uno stupendo e vibrante paesaggio di sensualità. A Euro Rotelli interessa il corpo in quanto veicolo per esprimere emozioni, fare riflessioni, esternare sensazioni. “Sarò fotografo” – dice – “fino a quando potrò esprimere me stesso in modo creativo, senza vincoli, perché la fotografia, questa fotografia, è la mia poesia”.

Fotocult 08/2008

Fausto Raschiatore

Quali migliori simboli per rappresentare il divenire trionfante della natura “infiammata” o “sublimata” che la scelta d’un fiore e d’Amore e Psiche? 

Euro Rotelli si cimenta così attraverso il suo mezzo espressivo, la fotografia, per riannodare un eterno racconto, quello del potere che obbliga le cose a unirsi e creare la vita; da l’anima (Psiche) sedotta dalla sensualità (Eros) sino all’erratica ricerca di purificazione per raggiungere la coscienza e sublimare l’istinto; origine di tante favole note e raccontate con una spinta verso il meraviglioso dove cavalli e serpenti di notte diventano giovani bellissimi, spose nascoste o mancate e di fanciulle “alla ricerca del perduto amor”; una trama che vive ancora e rappresenta Amore che una legge o una disparità tronca o vieta fino alla purificazione attraverso il difficile percorso dell’iniziazione.

Quanti richiami per Rotelli e la sua ricerca sempre da reinventare con un’originale scelta tecnica, che da vibrazioni di favola svela un nuovo racconto. Come nel tulipano che simboleggia chiaramente un altro ciclo perpetuo dell’amore e simbolo che gli amanti si scambiavano. Tutto seta e fuoco, quello di Rotelli è come un tizzone ardente, come il desiderio amoroso di Amore e Psiche prima della sublimazione dell’istinto. La Persia, sua patria d’origine, lo lega a una poetica leggenda sino a quando sulle rive del Bosforo il rosso fiore diverrà il più popolare e ricordato anche nelle Mille e una notte. Il fascino di un racconto e la sintesi delle valenze sperimentali di Rotelli paiono anche qui continuare quel percorso che iniziò nel 1949 con la Polaroid Edwin Land e celebrato da Ansel Adams; Euro in questi interventi innesta le atmosfere riviste dalla sua sensibilità attraverso quella padronanza tecnica da cui il vero fotografo non può prescindere.

Gilberto Ganzer
direttore Museo d’Arte Pordenone

PHOTOGRAPHY AS ART

"The headquarters of the institute was beseiged by the crowd of onlookers. I arrived two hours early but couldn't get in. Several days later, the opticians' shops were full of amateurs trying to get hold of the Daguerrotype machine" said Marc-Anton Gaudin, an eye-witness, speaking about the meeting on the 19^th August 1839 in Paris when in front of the gathered members of the Academy of Sciences and the Academy of Arts, the parliamentarian Francois Arago presented Daguerre's invention. The enthusiasm affected everyone including the scientist Gay Lussac who said, "A new art form has been born" Others reacted in a different way. The writer Charles Baudelaire wrote a pamphlet which spoke of the risk of art declining and good taste being eroded by the vulgarity of the photograph, whilst others feared that painting itself would soon disappear.

As we can see, the question of the rapport between photography and art emerged simultaneously with the birth of the new art form. So we should not be surprised that this has continued up to our own time. This is because there is a clash between two concepts with little in common - that of the absolutists, who deny that photography has any artistic connotation, and those who abuse the word 'art' which is used for any form of expression including the stuff, maybe that dreams are made of, which is all too often scrawled upon the city's subway halls and tenement walls. The solution to the problem can be summarised in the words of Man Ray when he said that the true destiny of photography was not to become the art form of the future but to be quite simply another type of art. The word should be written with a small letter because Art disappeared a long time ago.

Recent years have seen the growth of a market, with some photographs changing hands for exorbitant prices - a sign of a degree of interest which has involved an increasingly knowledgable group of collectors. The fact that a photograph can be reproduced has not worried these people, who are reassured by the limited edition certificate of the artist (who has no interest in increasing the number of copies and so reducing their value).

A market which developed in the United States, France, England, Germany and Japan is now growing in Italy too, a country where the culture of appreciation was often lacking rather than talented photographers themselves.

An artist like Euro Rotelli deserves to be analysed in this wider context. Considering only the aesthetic aspects of his works is limiting if we do not consider the role which research has played in his poetry. Rather than keeping his professional work separate from his creative achievements, Rotelli is always guided by passion be it when he carries out commissioned work or when he investigates new techniques following his own intuition. Swapping from, for example, publicity photographs to the interpretation of a landscape, is not a limitation for him but a further stimulus to find new paths which meet with surprising results. The early, youthful artistic experiences are without doubt important from the personal point of view, but do not seem to have influenced his aesthetic vision. This can be seen in the way in which he moves from colour to black and white (which he prints himself). As often happens with the most creative artists, it needs the meeting with a new element to enable Euro Rotelli to boldly express his personality.

The flexibility of the real time development of polaroid film is the true test, the ideal interface, the environment in which he can move with the greatest freedom of expression. The reason for this is in the spontaneity of this medium which hides, behind its apparent simplicity, a whole range of variables to discover and to apply creatively. In this way, works of particular beauty such as "Lagoon" are born, with its theme of a natural landscape. The immobility of the places, careful composition, the absence of a human presence, are expressed in almost metallic tones which recall the early Daguerrotypes.

When Euro Rotelli shifts his attention to the urban landscape, his technical choice also changes. Bright chromatic images emerge where work on the surface of the polaroid shows decisive signs of black, sky blue and violet. These choices are a constant theme when illustrating the monumental nature of New York, the seductive beauty of Paris, and when he uncovers the hidden fastination of a city like Trieste where he is able to evoke the atmosphere of Mittel-Europ . His poetic side is often found in delicate works such as "American Dream" where he reveals a lesser known dimension of American life through small but significant details, or like " The City of Dreams" where he underlines, especially at nightfall, a surrealistic vein which he then re-visits in "Theatron".

The two works that he presents on this occasion are the nearest to the themes dear to art, because the representation of the body and of nature are at the root of painting and exalt its very essence. Among the many ways of approaching the subject of the nude, Rotelli has chosen one which is particularly evocative and fascinating; on the one hand he does not hide the detailed description of the characteristics of the body, on the other, he places them in a deliberately non-realistic setting. The choice of posture, of the fluidity with which the movements are captured recalls dance, but this does not underline the strictly narrative, rather the dreamlike dimension which enables the body to free itself into an abstract world where what counts is the beauty of the gesture. The hands and the legs entwine so as to create imaginary geometric compositions. The muscles strain to emphasise the harmony of the movements, the indiviual figures measure themselves against the surrounding space, the couples try to follow each other in a game of continuous sensation and this helps to explain the reason for the title "Vibrations". Sometimes the call is so strong as to force the observer to halt as if he or she feels the intensity of the metaphor or the sudden appearance of an ancient stylistic element offered in a contemporary form. The choice of black and white is not by chance because it suggests a dimension which prefers the subtlety of interpretation to descriptive realism. On those bodies, the light plays softly to underline the muscles until it creates a clear contrast and areas of shadow which the polaroid process transforms into metallic patches in which to view oneself. The refined nature of the printing cannot be easily reproduced; one must be close to the photograph and move slightly to the side to observe how the surface reacts to light as if it had in some way a life of its own.

The work on tulips although it is so different in that it is centred on colour as its principle element, also has the search for an empty space on the final frontier of the abstract as its main characteristic. If in "Vibrations" this is the metallic nature of the background light, here a special white dominates, which sometimes mutates into a highly delicate shading of blue, of green, of yellow - although it never loses its role which remains that of being a contrasting element on which the forms of the flowers stand out. The photograph comes closer, shifts the angular vision until it reveals the inside of the corolla which appears as if it desires to make a portrait of that tulip which in turn responds with a sort of smile and returns to underline the closeness of the stems in couples and in groups. Underlining the similarities but also the great differences between flowers - only those who know not how to observe believe they are all alike while for the true observer surprises are never far away - Euro Rotelli creates a grand compositional game dominated by the delicate nature of the whole. The result is that of a surface which seems to capture the breeze while caressing the petals of the tulips and succeeds in returning to us the flowers, immobilised in their lightness - and it is then that we can understand how photography can be art.

Roberto Mutti
(indipendent curator
director of "Fotopratica"
(photographic critic for "La Repubblica")
catalogue "Photography as Art"

Text by Marta Casati
Eyemazing #2/2007

Fausto Raschiatore
critico d'arte
"Gente di Fotografia"

Roberto Mutti
(indipendent curator
direttore di “Fotopratica”
critico fotografico per “La Repubblica”)

PORTFOLIO
Le fotografie di Euro Rotelli sono il prodotto di una visione affinata per lungo tempo. Professionista con studio a Fiume Veneto presso Pordenone, Rotelli ha seguito nel proprio lavoro di ricerca personale la strada dell’elaborazione e dell’intervento sui materiali Polaroid, sia per i ritratti e i nudi, eseguiti in studio, sia per le immagini di racconto e di viaggio. La tecnica usata nelle immagini qui proposte consiste nell’eseguire lo scatto, e subito dopo nel manipolare manualmente l’immagine, con interventi selettivi, nella fase in cui la Polaroid si sta sviluppando. La sua esperienza gli consente di mantenere nella memoria visiva la struttura dell’immagine scattata, e di sapere quindi dove intervenire, con la pressione della mano o di altri strumenti, mentre la fotografia non è ancora visibile. Gli scatti di Villaco e di Graz sono stati eseguiti da Rotelli in occasione di due sue mostre in gallerie delle due città.

Fabio Amodeo
(critico d’arte)

“AMERICAN DREAM”
Non si può osservare la contemporaneità con gli strumenti e lo sguardo del passato: questo è quanto pensa Euro Rotella, fotografo professionista che non rinuncia mai alla ricerca di nuove espressività. Nei suoi viaggi negli Stati Uniti, dove ha anche recentemente ricevuto premi e segnalazioni per la sua attività creativa, Rotelli ha indagato sul tema delle città e dello spazio urbano con i mezzi che gli sono cari: la pellicola polaroid su cui interviene durante lo sviluppo in modo da ottenere risultati che in parte vengono previsti e quindi controllati dall’autore e in parte sono frutto di una casualità di cui occorre accettare gli esiti. La realtà americana con i suoi colori, il traffico dei suoi enormi camion, lo spazio che si allarga nel reticolo delle vie e si innalza nella verticalità dei grattacieli, sono uno spettacolo che Euro Rotella insegue con determinazione e curiosità. Due sono i piani su cui si muove, quello emotivo dell’immediatezza legato al grande spettacolo che sempre l’America allarga davanti ai nostri occhi e quello razionale della sua capacità di trasformare queste emozioni in immagini da rilanciare a chi, guardandole, possa provare le stesse emozioni con la medesima intensità. Le immagini di Euro Rotella si soffermano sui particolari (un gabbiano fermo su un cartello segnaletico, l’insegna della libreria di Ferlinghetti, uno scorcio della spiaggia di Santa Monica) incapaci di descrivere una città ma adatti a una trasformazione metaforica dei luoghi; queste fotografie possiedono il ritmo del reportage e lo sguardo ampio dell’indagine sul paesaggio, il rigore caro a chi non rinuncia comunque al racconto e il colpo d’ala caratteristico di quanti sanno trasformare la realtà e la sua rappresentazione in un’opera d’arte davanti a cui rimanere, per un istante e forse più, senza parole.

Roberto Mutti
(indipendent curator
direttore di “Fotopratica”
critico fotografico per “La Repubblica”)

CONFRONTI/ARTE A NORD EST.
Confronti. Arte a Nord Est propone un itinerario variegato dei molteplici linguaggi dell’Europa Orientale con le sue precipue specificita' espressive riferite a un panorama storico in alcuni casi originariamente affine, frammentatosi con il volgere dei secoli in realta' anche molto diverse. Il Nord-Est italiano e' rappresentato dal fotografo e pittore pordenonese Euro Rotelli, autore di un linguaggio che tramuta l’immagine, attraverso una tecnica fotografica sapiente e personale, in un intenso e convincente ritratto interiore dei luoghi e delle cose.

Marianna Accerboni

Guido Cecere
(critico d’arte)
catalogo "Figure del Presente" - Galleria regionale d'arte contemporanea "Luigi Spazzapan"

La fotografia talvolta è narrazione, documentazione, e talvolta e' suggestione, evocazione epifanica. In qualche rara occasione questi due elementi coincidono: la fotografia documenta, ma nello stesso tempo evoca. È il caso delle fotografie che Euro Rotelli ha dedicato al Porto Vecchio di Trieste, uno dei grandi depositi di archeologia industriale di cui il nostro paese dispone. Il luogo ci riporta agli albori della modernità, al mito del progresso sintetizzato dall'impiego precoce, nella seconda metà dell'Ottocento, dell'edificazione in cemento. Nel mito illusorio della modernità la fotografia ha vissuto a lungo, specie nella sua fase documentaristica. Rotelli pare esorcizzare questa parentela con l'impiego di un materiale, la stampa Polaroid, che ha un proprio contenuto onirico nel colore intenso ma leggermente pastellato; e poi intervenendo manualmente sulle immagini, quasi a creare una cornice che contraddice l'immagine e la fa uscire da qualsiasi canone. Chi fotografa il Porto Vecchio di Trieste di solito effettua letture in chiave melanconica; queste immagini sono vitali, e l'intervento creativo guarda più a un possibile futuro che all'elegante ma sterile nostalgia del passato.

Fabio Amodeo
(critico d'arte, art critic)

PHOTOGRAPHY AS A STAGE REPRESENTATION
Through this series, started a few months ago after a trip in Paris, Euro Rotelli experiments the capabilities of the photographic material he manipulates different ways: the works are the result of the
photomontage made from polaroid and manually transformed roll film, done during the developing process. The invention of the roll film abolishes the impersonal and indirect aspect of the photographic medium. It is made by the phisical and direct action on the surface: thus he marks through his hand the buildings whose outlines and material are altered. he changes through this process the primary function of photography that reproduces on paper, more or less precisely and "exactly", the appearances. The surrounding space is rebuilt according to his own, interior, vision. The colours of the landscape are opposite to the monochrome nudes. The opposition is increased by the oddness of the nude introduced in an urban context. But this thematic inchoerence is annihilated by the pictorial harmony: the nudes are like antic statues for their sculpural texture and forms. This figures get mixed among the architectural monuments and become a part of them.
The principle of collage involves a stage direction of the different elements: tyhe retouched photographs of cities like Paris, New York, Rome, his own town pordenone, etc. and nudes. These urban landscapes are stages where come these characters with their subtil outlines. Thus Euro Rotelli is the stage director of a theatre for which he creates the sets where he puts the actors, these faceless protagonists. The whole is circled by a frame, a limit, which makes it a painting, a stage, with clearly defined outlines. His work is a reflection about marking and spaces, the one he fills with his monumental figures. We are attracted by these surroindings that he underlines through his gesture and thus invites us to observe attentively.

Choghakate Kazarian 
(YNOX n° 9-Paris)

Jean-Fabien G. Phinera 
(directeur "YNOX" – Paris)

LA SUPERFICIE DEL NUDO
Per quanto sia un argomento che la fotografia ha affrontato fin dagli inizi della sua storia, quello del nudo non è certo un tema facile da affrontare: si può rischiare di scontrarsi con la banalità, si può scivolare nella volgarità, ci si può immobilizzare nelle secche del dejà vu. Euro Rotelli ha invece percorso una strada diversa, il cui punto forte è costituito dall’originalità della scelta tecnica che ben si sposa con il suo gusto compositivo e con l’attenzione che presta all’armonia dell’insieme. Il ricorso al riporto da pellicola polaroid gli permette, infatti, di ottenere immagini la cui superficie è caratterizzata da una matericita' che ricorda quella della pelle e, nel contempo, di creare atmosfere delicate e misteriose. I corpi ricordano nelle loro posture la classicità delle statue greche e l’analogia è ribadita dalla visione leggermente indefinita e dalla frammentazione della superficie riportata su carta che fanno pensare alla pietra e al marmo corrosi dal tempo. E’ proprio in virtù di tutto ciò, che le fotografie di nudo di Euro Rotelli sanno dialogare con chi le osserva proponendosi per la loro bellezza essenziale e per ciò affascinante.

Roberto Mutti
(indipendent curator - director of "Fotopratica" - photograph critic of "La Repubblica")

EURO ROTELLI – VIBRAZIONI
"Sarò fotografo - dice Euro Rotelli - fino a quando potrò esprimere me stesso in modo creativo, senza vincoli o costrizioni, perché la fotografia, questa fotografia, è la mia poesia". Per l’autore fotografare significa esprimere le proprie emozioni, essere creativi, dare contributi culturali nuovi e significanti. La sua, è una fotografia elaborata, attraverso la quale lancia messaggi e sollecita riflessioni da parte del fruitore. Euro Rotelli arriva alla fotografia dalla pittura e alla pittura ritorna indirettamente facendo fotografia: la scoperta, infatti, del sistema Polaroid gli permette di intervenire e di incidere sul risultato finale, nell’interpretare e modellare la realtà che osserva; un intervento diretto, manuale, sintesi di un momento intimo, attraverso il quale ottiene immagini uniche e irripetibili. Una sensibilità, quella di Euro Rotelli, che coniuga l’osservato, nelle sue diverse sfaccettature, con una tecnica fotografica a forte valenza sperimentale, con il contributo della pittura, nel contesto di una texture di ottimo pregio stilistico, carica di atmosfere, intrisa di allegorie, di gradevole gusto estetico. "Riprendo il soggetto in negativo bianco e nero che stampo all’ingranditore su Polaroid dopo aver effettuato un trattamento sulla parte positiva della superficie". Questo l’iter del procedimento tecnico che l’autore - toscano di nascita e friulano d’adozione - elabora per ottenere le "Vibrazioni". Il nudo è un tema delicato in cui si può facilmente scivolare nel volgare, oppure, rischiare di cadere nel banale o nel dejà vu. I corpi per Euro Rotelli sono veicoli per vivere suggestioni intime che di volta in volta assumono dimensioni diverse, talvolta facilmente percepibili, talaltra, invece, meno visibili, più intime, sempre comunque avvolte nel mistero. L’autore articola una scrittura fotografica nella quale i soggetti perdono l’identità, nell’ambito di una trama caratterizzata da un quid di materico che stimola all’analisi e alla riflessione, e diventano entità nuove che dialogano col fruitore, per il tramite della loro bellezza e del loro fascino. Immagini plastiche, solenni, di taglio classico, anche con contrasti forti, sintesi di un particolare modo di interpretare la nudità. Inquadrature coraggiose che affondano le diverse concettualita' in studiate strutturazioni ottiche, in un contesto tematico vicino alle problematiche della scultura. E’ un gioco sottile e dinamico di sensazioni, pulsioni, "Vibrazioni", appunto.

Fausto Raschiatore 
(art critic)